El apicultor vengador

Hay días en los que te apetece cine de barraca, de feria, de parque de atracciones. Llegas a la sala con una gran pantalla y sonido envolvente, te sientas y te dejas llevar. Ayer tocó The Beekeeper (el apicultor). Una película de acción dirigida por David Ayer.

La historia de un apicultor, miembro retirado en el campo, de una organización de élite llamada Hive (la Colmena). El personaje principal trata de vengar a su anciana casera, estafada por una empresa de timos por internet. El colmenero se enfrenta a una organización criminal, destruye sus inmuebles. Y asesina, sin esfuerzo, uno a uno a todos sus componentes.

A las espaldas de este vengador solitario arden edificios, gasolineras y centros de llamadas por internet.

Bajo sus manos mueren los diseñadores y dueños del entramado mafioso, así como todo tipo de mafiosos: guardaespaldas americanos, asesinos de los países del este, cazadores de recompensa mexicanos.

En definitiva, en esta película los malos son muy malos (visten de negro, toman cocaína y van de putas) los buenos son muy buenos (maestra de escuela, viven retirados de la gran urbe y no beben).

Me ha resultado interesante el trabajo del director de fotografía Gabriel Beristain 

• Su utilización de la paleta de colores. El cuidado narrativo mostrado en la fotografía, la oposición entre los entornos amarillos, color cálido (miel) donde se mueve el avicultor y los espacios más artificiosos, luces de neón, propios de la corporación estafadora. Para los amantes de la fotografía en el cine, esta entrevista es muy didáctica: THE BEEKEEPER cinematographer Gabriel Beristain Interview I MGM Studios I Gotham Geek Girl

He pasado un buen rato viendo esta película. No recomendable para las personas que no les guste la violencia coreografiada.

La realización multicámara en los eventos de las grandes empresas tecnológicas 3.

La realización multicámara de los eventos de las grandes compañías de tecnología es un espectáculo audiovisual. Sin duda, estos eventos están planificados como un espectáculo. La realización multicámara es, como todo programa de la televisión clásica, un espectáculo para la vista. Y lleva detrás un meticuloso trabajo del equipo de realización.

• Las puestas en escena reflejan la misión de la compañía.
• La colocación de las cámaras ofrece puntos de vista significativos. 
• Utilizan los equipos técnicos para crear un espectáculo atractivo e informativo.
• La iluminación es acorde a la personalidad de la compañía.
• El vestuario de los líderes es informal, pero con una informalidad sofisticada.

La iluminación es acorde a la personalidad de la compañía.

• El CEO de Apple, tiene como fuente de luz lateral el sol. Y de relleno, probablemente, unos reflectores. Elimina toda artificiosidad y presenta al jefe de forma natural. Tim Cook y su estrategia para lograr pensar con acierto: salir, obligarse a estar en la naturaleza. Esta es un “limpiador para la mente”. 

• En el evento de Google El CEO es iluminado con una luz frontal difusa, coincide la dirección de esta luz en su orientación con el eje de su cámara. Ausencia de sombras. A estas luminarias se añade un fuerte contra que le resalta del fondo.  La iluminación describe a Sundar Pichai, una persona sin sombras, un inmigrante hecho a sí mismo. Nació en Madurai, India, hace 47 años, en una familia humilde.

• El responsable de Microsoft se presenta con una luz de plató de televisión. Dirigida desde lo alto y sin filtros difusores. Parece buscar el mayor porcentaje de audiencia en un programa típico de una cadena de televisión. La iluminación de Satya Nadella muestra una empresa con una mentalidad de crecimiento a gran escala.

• Jensen Huang, CEO de NVIDIA aparece iluminado en clave baja, con la mayor parte de la escena en sombra y alto contraste entre las zonas oscuros y claras de la imagen. La luz frontal, picada y con filtro difusor, genera sombras en la barbilla, que aunque no son duras, sí se muestran evidentes. El pelo blanco hace que la silueta destaque dl fondo. La luz creada para un ingeniero de producto, un visionario: "IA creará nuevos trabajos que antes no existían, como ingeniería rápida, operaciones de AI Factory e ingenieros de seguridad de AI" 

Mentes criminales y sus mapas

Cazadores de mentes, Mindhunter, es una serie para pasar el rato. Es una serie de Netflix y tiene como productor ejecutivo a David Fincher, que también dirige algún episodio.  

Su argumento cuenta los comienzos de los estudios psicológicos realizados por el FBI sobre los asesinos en serie, realizado en los años 70. Describe el intento de dos detectives para construir el mapa de la mente de un asesino. Como estos buscan en el lado oscuro del cerebro, e intentan cartografiar ese agujero negro psíquico que lleva a una persona a cometer asesinatos. Con el objetivo de detener asesinos y evitar nuevos actos violentos.

Una de sus posibles conclusiones es que para identificar a un psicópata es comprobar si ha tenido un entorno familiar conflictivo. Los conflictos familiares, madres dominantes, padres ausentes, etc.  son una pieza clave para completar investigaciones. El psicoanálisis anda oculto por estos relatos.

Los protagonistas son dos agentes del FBI con dos personalidades diferentes, opuestas. (¿dónde habré yo visto algo parecido antes?). Uno más racional y otro más emocional. 

Los dos policías pasan más tiempo viajando que con sus respectivas parejas. Viven la mayor parte de su tiempo en un coche, en un motel o en restaurantes de comida rápida. 

Las secuencias rodadas en coche tienen mucha información para el espectador. En la serie programa, los coches son lugares donde los personajes contrastan la información que acaban de recopilar. El problema de grabar en escenarios reales, en un automóvil en movimiento real es que nos encontramos con muchos inconvenientes que no favorecen al proceso de actuación y de dirección. Por ejemplo, mover la cámara a un nuevo ángulo consume mucho tiempo, lo que limita el tiempo de grabación efectivo. Por esta razón Fincher elige filmar escenas de coches predominantemente en el escenario con pantalla verde.  Erik Messerschmidt, Mindhunter, cinematographer 

La cabecera sobria y pulcra, me ha gustado. Construida en un tono gris metalizado, que le da un aire frío, e inquietante a la presentación. 
Vemos como una mano pone en marcha un magnetófono grabador antiguo SONY, de media pulgada. Y termina con un plano detalle de la cápsula de un micrófono. Todo registrado con planos detalle de los dedos que preparan una cinta para su grabación. 
Entre las imágenes pulcras y limpias del aparato se insertan algunos cuadros, décimas de segundo, con fotografías de cuerpos violentados.

Los puntos y aparte de las secuencias los marcan con carteles, grandes letreros que ocupan toda la pantalla, de las ciudades y las cárceles que visitan los detectives. Los nombres de las ciudades y de sus cárceles describen un mapa geográfico concreto y detallado. En cambio, los detectives del FBI intentan describir, con la precisión de quien traza un mapa, la estructura geográfica mental de un asesino en serie y lo tienen difícil para identificar y nombrar los espacios cerebrales de estos seres humanos.

Las cámaras se organizan en la escena de forma clásica, plano master y los planos contraplanos en función del plano master. Esto permite que nos centremos en la historia, y que las emociones nos lleguen más por lo que escuchamos que por lo que vemos. 
Tampoco recrea los actos violentos, los vemos a través de las fotografías forenses de la policía. 

Normalmente, comenzábamos cada escena con un ensayo simulado de actores sin la cámara. Las posiciones y la acción del actor están motivadas por la historia, el escenario y su personaje. A menudo, discutimos previamente momentos específicos que queremos resaltar con un corte o un primer plano, movimiento de dolly, etc., por lo que a veces la escenificación gira en torno a una elección de cámara concreta, pero todo depende de la escena y del director. Cuando tenemos la escena, incorporamos la cámara y miramos la escena a través de la lente. Si se requirieren ajustes ala la escena para trabajar dentro del encuadre, los corregimos con los actores. Por lo general, comenzábamos con un plano master o al menos la toma más amplia de la escena, para comprometernos con la continuidad y la puesta en escena. Una vez establecida la cámara master, organizamos la cobertura para completar la secuencia master y los cortes. Esta forma de trabajar no permite mucha improvisación, al menos desde el punto de vista de la puesta en escena, por lo que los actores se comprometen con sus marcas y acciones en el ensayo. Si durante el rodaje descubrimos que algo no está funcionando en términos de rendimiento o acción, obviamente realizaremos un ajuste, pero cualquier cambio generalmente se realiza mientras filmamos el plano master, para que todo esté resuelto en el momento en que grabamos los planos recurso. Es un estilo de trabajo muy clásico y creo que lleva a un espectáculo muy disciplinado. Erik Messerschmidt, Mindhunter, cinematographer 

Enlaces para conocer mejor los procesos técnicos desarrollados en la realización de Mindhunter, sobre todo el trabajo de cámara:

• Netflix Delivers a Killer Serial Killer Series: Production on David Fincher's 'Mindhunter'
• Crime Scenes: Evolving the Postproduction Process on 'Mindhunter'
• DP Erik Messerschmidt on Shooting Netflix’s Mindhunter with a Custom Red Xenomorph

Psicólogos, curas y conflictos no resueltos

Regresión la nueva película de Alejandro Amenábar se ve bien, pero al final de su visionado con la llegada de los títulos de crédito uno siente un cierto desaliento. Como que el recorrido por la atracción de feria que esperas impactante y resultase suave. Uno reconoce la inventiva del desarrollador del proyecto, la pericia de los técnicos que la han construido y el entorno en el que la han levantado, pero al dejar el asiento no te tiemblan las piernas con suficiente intensidad.

La factura es excelente con un guion bine organizado; al que se le ve el artificioso efectismo de alguno de sus giros, opino que los sueños justifican demasiadas cosas en esta historia.

La familia desestructurada y desgarrada por la religión y la psicología, como motor de una histeria social, es una gran idea. Me encanta comparar, en un montaje paralelo de finales familiares, la abuela de Regresión con el abuelo del final de Parque jurásico.

La imagen muy acertada, con sus texturas decadentes y sus tonos fríos y oscuros nos integra en un entorno lleno de desasosiego. El director de fotografía es Daniel Aranyó formado en el American Film Institute y en la ESCAC, trabajos: “Tres Metros sobre el Cielo”, “Los Últimos Días” y la segunda y tercera entrega de “High School Musical”.

“Las películas que hemos tenido como referente lumínico han sido ‘Veredicto Final’, de Sidney Lumet, ‘El Exorcista’, de William Friedkin, o ‘La Conversación’, de Francis Ford Coppola”, dice Daniel Aranyó.

El diseño de sonido tiene un creativo trabajo de postproducción. El responsable, Gabriel Gutiérrez, construye una dimensión espacial inquietante en la sala de proyección, que facilita que el espectador habite en el centro de la trama. 

“Parte de la descripción sonora de los personajes recae en elementos de su entorno. Ciertos sonidos aparecen o desaparecen en función de la ubicación o situación en la que se encuentren, algunos son más explícitos, y otros más subliminales. Hay sonidos que acompañan a los personajes y son alterados en función del estado de ánimo”, dice Gabriel Gutiérrez.

Fernando Bovaira, el productor de las últimas películas de este director habla así del proceso de trabajo este proyecto ¿Cómo se consigue que un equipo así funcione como un reloj?

“Requiere mucha preparación y trabajo previo. Al final estás mezclando dos culturas de rodaje diferentes. Canadá es un país abierto donde ruedan equipos de muchas nacionalidades y la verdad es que nos entendimos muy bien. No voy a ocultar que hubo tensiones, porque en mi opinión los equipos de rodaje españoles son los mejores del mundo y tuvimos que imponer nuestra cultura, pero no fue nada traumático”

La mejor entrada en lo que llevamos de 2015 para el cine español. Universal ha estrenado Regresión en unas 590 pantallas de 370 locales. Primer puesto del ranking de recaudaciones del primer fin de semana estimados 2.590.000 €.

Emociones con nombre propio

Del revés, la película en la que Pixar ha puesto rostro y color a las emociones me ha gustado. La hora sentado en la butaca ha merecido la pena. Aunque hacía calor en la sala, abandonas Kinépolis con una sonrisa en el rostro. 

He reconocido a las emociones que conviven en la mente de una niña y cómo es su trabajo diario. Ha sido una bonita experiencia, como espectador, contemplar la batalla desarrollada por las emociones para equilibrar la mente de una chica de once años.

En el origen del proyecto está Pixar, productora fundada por mentes creativas como las de Steve Jobs y John Lasseter, donde se confía en los directores para que cuenten historias que les apasionan. Por cierto, el corto Lava, no me gustó.

La dirige Pete Docter que ya sabe lo que es el cine de animación fue responsable de Monstruos S.A y de UP y escribió las historias de Wally y de Toy Story.

El trabajo del diseñador de producción Ralph Eggleston establece una diferencia visual entre el mundo de la mente y el mundo real, con lo que consigue que el público sepa en todo momento donde se desarrolla la acción. Kim White responsable de iluminación: 

"En un principio hemos saturado el mundo real para aproximarlo al mundo de la mente, para que se reconociera que fue una época feliz para la niña protagonista". "Más adelante en la película dessaturamos los colores en la mente para mover este espacio hacia el mundo de los humanos, porque las cosas ya no son tan buenos en la mente, y no lo serán nunca más. Fue muy divertido trabajar la luz naturalista del mundo humano y luego, de repente cambiar para mostrar la luz del mundo más teatral de la mente".

Para construir el ambiente sonoro que existe en la mente, han contado con el diseñador de sonido Ren Klyce, responsable del sonido de películas como "Her" o "El Club de la Lucha".

La película permite muchas lecturas. Delante del teclado recuerdo fascinado la descripción psicológica que hace de las emociones más significativas: alegría, tristeza, ira, asco y miedo. Uno se sorprende al encontrarse con un guión lleno de términos psicológicos. Ha contado con asesores como Dacher KELTNER, profesor que estudia la función social de las emociones y con Paul Ekman doctor experto en describir cómo expresamos nuestras emociones.

Uno piensa que la emoción más importante es la alegría y se encuentra que la verdadera estrella de la película es la tristeza, 

"Del revés es una película sobre la pérdida y describe lo que las personas ganan cuando se guían por sentimientos de tristeza.Nosotros tenemos algunas contradicciones con la representación que se hace de la tristeza en esta película. La tristeza es vista como un lastre, un personaje débil que alegría arrastra por la mente de la niña. La ciencia tiene otros datos, los estudios demuestran que la tristeza se asocia con una actividad fisiológica elevada, estimula al cuerpo para responder a la pérdida. Y en la película, tristeza es desaliñada y desagradable. Muchas veces, en la vida real, una persona triste saca a otras personas de su comodidad y las ayuda.

Cuando las emociones, en su recorrido por la mente de la niña, entran en Dream Productions, es para mi una secuencia especial. Una fabrica de sueños formada por profesionales del audiovisual nutre de imágenes a la mente de la protagonista mientras duerme. 

Encontrarse con un grupo de técnicos de televisión trabajando en un plató mental es una idea brillante ¡Cómo me ha gustado esta metáfora!

La historia termina con una llamada al orden, todas las emociones están controladas y organizadas con el equilibrio mental que proporciona el entorno familiar estable. Aunque los agujeros negros permanezcan abiertos y podamos caer en ellos en cualquier momento.

El tiempo de los profesionales

El ministerio del tiempo ha sido la serie de moda. Ha propuesto una historia distinta a aquellas con las que cubren la parrilla las productoras españolas. La familia unida no es la estructura del guion: los padres, madres, hijos, tíos, nietos y abuelos no son la base de las anécdotas compartidas por los protagonistas.

A la idea le han dado forma Javier y Pablo Olivares, los hermanos que crearon Isabel y Victor Ros. Uno de ellos, Javier Olivares, ha asumido la producción ejecutiva como si fuera un showrunners (máximos responsables de serie) americano.

“Al ser productor, tenía todo controlado. Lees el guion y está todo en la pantalla tal cual, punto por punto. Y yo creo que eso se nota. Es la primera vez que he podido hacer eso en una cadena nacional. También es verdad que lo hago a costa de perder mucho: yo produzco, así que hay más riesgo”.

Javier es un profesional del guion. Se arriesga al producir algo personal. Ha acertado. Los críticos que asistieron a los previos, los pases privados salieron todos dando palmas con las orejas, les gusto mucho. Su emisión ha conseguido un público fiel que con su presión en las redes sociales ha forzado la renovación para una nueva temporada.

El productor, inteligente en su propuesta de trabajo, se ha rodeado de grandes profesionales del audiovisual patrio. El éxito tiene correspondencia con el equipo de profesionales que se han responsabilizado de sacar a delante el proyecto. Entre ellos:

• El director Marc Vigil un experimentado en series de televisión, ha trabajado como director en: 7 vidas, Aida, Gominolas y Aguila Roja.

«Antes de abordar la dirección de un capítulo es necesario definir cuáles son los elementos que dan personalidad propia: acting, tono, ritmo, música, fotografía, VFX [efectos especiales], diseño sonoro, títulos de crédito…»

• La imagen es responsabilidad de Isaac Vila y Unax Mendia

La factura visual, como ya se vio en el tráiler, le va a parecer cinematográfica al espectador. Una película de 70 minutos cada semana. ¿Cuál es el secreto para ello? "Rodeándose de gente muy buena y teniendo las cosas muy claras: saber lo que vas a hacer, no puedes improvisar", asegura el director. "La tele viene muy marcada por la realización televisiva pero nosotros hemos rodado como en cine". 

"Y para poder conseguir esta realización -explica- necesitas a un director de fotografía de la máxima confianza que te siga en esta aventura", Isaac Vila y Unax Mendia. "Hacer travellings pero huyendo de la steadycam, que es la habitual en televisión; no iluminar desde el techo sino plano a plano, saltándose el eje...".    

• La música del mexicano Darío González Valderrama.

"Busqué por una parte algo oscuro, porque quise acentuar la parte misteriosa de la historia; me parecía muy apropiado no dejar clara la emoción. Tenía que reflejar un poco de aventura y una parte de misterio, pero todo ello cubierto con algo que no fuera muy obvio, con un dejo melancólico. No quería algo complaciente y luminoso."

• Efectos digitales Charly Puchol / David Heras (User T38).  USER T38, que está al cargo de unos efectos especiales de primerísima calidad.

• El sonido
• Sonido directo 
• Sergio Bürmann (con los microfonistas Tamara Arévalo, Oscar Segovia y Coque) y Jaime Barros (con los microfonistas Daniel González y Alberto García Altez).
• Postproducción
• Pelayo Gutiérrez (Supervisor),Paloma Huelín (Ayudante de montaje de sonido), Ana Belén Martín (coordinadora) y Alejandro López montador de sonido y Foley artist.
• 
  
•  Dirección de arte de Julio Torrecilla (No controles, El otro lado de la cama, Airbag),

•  Vestuario de María José Iglesias (Camarón, La voz dormida). 

Han sido divertidos y emocionantes ocho capítulos. Quedo a la espera de los siguientes. 

Ampliar:

• Entrevista a Javier Olivares ('El ministerio del tiempo')
• Entrevista a Javier Olivares, productor y guionista de "El Ministerio del Tiempo", "Isabel"..Por Gema Castellano.

Perspectiva con colores

Las visitas al Museo del Prado siempre son gratas. Ayer volví como alumno, en un curso organizado por el Área de Educación del Museo, y la visita volvía ser muy enriquecedora.

La restauradora Mª Antonia López de Asiaín, entre otras cosas, centró mi atención en el cuadro Paisaje con San Jerónimo; un óleo sobre tabla de Joachim Patinir, pintado a principios del siglo XVI. 

Me llamó la atención como el marco de cuadro limita la construcción de una perspectiva basada en la utilización de los pigmentos. La organización del color construye diferentes grados de profundidad en el cuadro. Los colores cálidos, anaranjados y marrones muestran el primer término, los verdes el segundo y los tonos azules colorean el espacio más distante. El uso progresivo de los colores sirve para acentuar la distancia en los espacios que representa.

El pintor utiliza el color como una herramienta más (tamaño y situación del horizonte, etc.) para construir la perspectiva clásica. 

A los que les guste pasear por el interior de esta pintura y hacer un recorrido minucioso por su contenido les recomiendo el siguiente vídeo: Paisaje con San Jerónimo de Patinir, en él la artista Eva Lootz muestra con todo detalle las diversas secuencias que conforman el cuadro.

El diálogo inteligente llega a La2

Confieso que he vivido

El programa de La2 Milennium propone un agradable espacio de conversación. Frente a las ferias de enfrentamientos en que se han convertido algunos debates televisivos, en este programa se habla de forma pausada. A últimas horas del domingo y primeras del lunes en La2 se habla con tono suave, en ambiente distendido, sin dar gritos ni garantizar verdades absolutas.
Ayer, después de ver las exaltadas celebraciones que siguen al triunfo en un campo de fútbol, me encontré atrapado en un programa de La2 en el que se decían cosas como esta: los fracasos y los triunfos se dan en la vida intima y la profesión, para algunos, es una cosa secundaria. Una forma distinta de entender el éxito personal.

El programa lo presenta y dirige Ramón Colom, un histórico de la televisión en España. El formato es de la productora Abordar fundada por el mismo Ramón Colom. Milennium, con un formato equivalente, se emitió una vez a la semana durante catorce años en Canal 33 de TV3, y terminó sus emisiones en el 2012.

La propuesta televisiva es simple. El tono general del programa ha mutado del azul al rojo. En TV3 tenía un tono más frío el actual tiene una textura más cálida. El trabajo de realización también me parece simple, sin ninguna propuesta novedosa. Una grúa para el general, las cámaras cruzadas para hacer los planos de los contertulios y una cámara para el presentador ligeramente contrapicada.

Me parece acertada la iluminación, toda en clave alta, con diafragmas muy abiertos. Cercana a la sobreexposición donde los planos con ropas blancas están muy próximos a encontrarse quemados. Me parece acertada. La dirección de la luz, muy frontal, elimina todas las sombras de los rostros y permite mostrarlos claros y luminosos. Esta decisión me parecen que dan inteligibilidad al programa y le aleja de las propuestas misteriosas con claroscuro de otros programas debate.

Lo que no entiendo en el programa es esa presentadora florero que ocupa una esquina del plató. La distancia que tiene con el centro de la tertulia no la entiendo. Podría participar, opinar, reconducir algún tema, solo rescata vídeo del archivo. La sensación que me transmite la puesta en escena es la que tengo del entorno social español actual: una joven (la juventud) que mira, sin poder tomar parte, como los mayores (más de 50 años) debaten, comentan y actúan.

Es Bankia es la institución que financia el proyecto a través del llamado patrocinio cultural. Esto permite al banco en crisis retomar su imagen pública. Los responsables de comunicación bancarios utilizan uno de los pocos resquicios que la ley de financiación del ente público da a la emisión de anuncios.

La opción de completar los contenidos en la red, es acorde a la filosofía del programa, así como la de proponer libros que enriquezcan el diálogo establecido en el plató. Propuestas intertextuales que se llamaban en otros tiempos, narrativas transmedia que se llaman hoy. Los creadores del programa crean procesos para que los contenidos se expandan en varios medios y que los espectadores participan activamente de esa expansión.

Iluminar un croma

Aquí una lección en la que se muestra el proceso de trabajo necesario para iluminar un croma. Una propuesta que nombra el conjunto de las aportaciones técnicas que se ponen en marcha para desarrollar el proceso creativo.

El profesor se llama Nacho Martinez, padre y filmmaker, es un vídeo del Máster Universitario en Dirección y Realización de Series de Ficción.

He llegado a él por Sonia Blanco.

Uno más para la banda

Uno de Los Nuestros - Programa 1

• Uno de Los Nuestros - Programa 1

Uno de los nuestros es un talent show en el que se busca un cantante para una orquesta. Uno de los nuestros, es el título en español de la película Goodfellas dirigida por Martin Scorsese. 

En la primera escena, el protagonista admite: "Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, quise ser un gánster". Queriendo formar parte de algo significante, Henry abandona la escuela y comienza a trabajar para ellos. 

Si cambiamos la profesión de gánster por la de cantante la anterior frase explica el argumento. Las orquestas están de moda, hay una serie en Antena 3, "Vive Cantando", que cuenta la vuelta al barrio de una cantante que ha recorrido los pueblos de España mostrando su arte. 

La dirección del programa es de Tinet Rubira y  Nia Sanjuán: el primero es responsable de programas como Operación Triunfo, Tu cara me suena, el Número 1 y ella ha sido codirectora del programa El Número 1  talent show, Antena 3. La realización es de Jordi Vives que realizó ¡Mira quién baila!'.

La grandiosa puesta en escena recuerda a los grandes programas de noche de sábado de la Rai1, a la gran televisión espectáculo en vivo y con música en directo. Aunque en este caso todo está grabado y remontado, un falso directo postproducido. Uno de los nuestros se graba en un plató de 1250 metros cuadrados en el Parc Audivosiual de Catalunya. El diseño del decorado es obra de Domenico Prati (OT, El Hormiguero, La casa de Gran Hermano, etc.).

La realización me ha parecido un poco rígida, encorsetada, más descriptiva que narrativa. Será algo que evolucionará con el paso de los programas porque los profesionales que lo hacen saben mucho de esto.

Demasiados planos generales para mostrarnos el gran plató. Algunos pinchados a destiempo. Yo pienso que tantos grandes planos generales nos distancian de lo que estamos viendo.

Los músicos son muchos y quedan un poco perdidos en el escenario, era difícil ver las valoraciones de los músicos en el plano general, el recuento de los votos era complejo realizarlo visualmente, no quedaba claro en ningún plano visual.

Los temas musicales no tenían estructura narrativa de cámara propia, todos se resolvían con la misma planificación de cámara.

Las piezas, los vídeos sobre los concursantes que dan dinamismo al programa tienen muchos recursos que recuerdan a los utilizados por la productora Cuatro Cabezas en sus formatos, como en Un Príncipe para Corina. El trabajo de posproducción con montaje de imágenes creativo y significativos efectos sonoros de refuerzo nos recuerda algunos programas de cuatro.

El guion parece un poco esquemático, apunta maneras, el enfrentamiento entre jurado y músicos es muy elemental muy de manual, el enfrentamiento resulta muy hueco. Las frases hechas de Carlos Latre en algunos momentos resultaban carentes de frescura.

Es un acierto de programa, la idea me parece, como tantas de Gestmusic Endemol, muy buena. Devolver la música en directo a la televisión es un verdadero acierto, el responsable de sonido, Juan Pozo tiene un interesante trabajo que hacer. Han dado un paso, el próximo conseguir que el programa se realice todo en directo, pura televisión de sábado noche.

El equipo de responsables.

Algunas cuestiones, a modo de mañana hablaremos del gobierno de los excelentes Tipi y Coll:

• ¿Han generado alguna disonancia en el trabajo técnico la colaboración entre una empresa privada Gestmusic Endemol, y una pública RTVE?
• ¿Es el objetivo de una empresa pública hacer un programa de evasión, para grandes audiencias y retrasar a horarios de madrugada un programa de reflexión como Informe Semanal?
• ¿Es premeditado convertir los sábados por la noche en televisión de verbena frente a la televisión de debate que parecía a adueñada del sábado con El Gran Debate y La Sexta Noche?
• ¿Cuánto vale este programa?

Orange es la nueva serie para minorías

Esta es la serie de moda. De la que todos hablan. Es reconocida por tres cosas:

• El dinero para su producción lo pone Netflix (distribuidora de vídeo que ofrece en streaming películas y series de televisión, a cambio de una cuota de suscripción mensual). 
• Su creadora es Jenji Kohan la misma que ideó Wedds (la serie que cuenta la historia de una madre vendedora de marihuana). 
• El tema, la trama se desarrolla en una cárcel de mujeres y cuenta las relaciones entre las internas con referencias al pasado personal de las reclusas. El deseo sexual es uno de los temas redundantes y las escenas lésbicas más o menos explícitas forman parte de la trama.

El trabajo de realización:

• Las cámaras. Han ideado una oposición significativa exterior de la cárcel frente a interior. Esta oposición se tradujo en el trabajo con la cámara, se utilizó la cámara en mano para las escenas interiores de la prisión, un trabajo más de estudio (clásico, con cámara más estable) para las escenas de fuera de la cárcel usando dolly y steadycam. Cuenta Michael Trim, director de los primeros capítulos y productor ejecutivo que ha tenido responsabilidades de director de fotografía en series como Weeds y Rockefeller Plaza. 
• En iluminación, en Orange Is the New Black se ha construido una luz envolvente y fácil de construir por el poco tiempo que disponían para la grabación. El director de fotografía Vanja Cernjul decidió grabar con la luz disponible siempre que fuese posible. Teníamos que ser rápidos y querían ver los techos dentro del cuadro, por lo que muchas luces estaban colocadas en el suelo. Con techos construidos sobre todo el set, el resultado fue una imagen muy realista que era amable con los actores.

Es una serie coral, más de personajes secundarios que de protagonistas. Todos los personajes son dueños de parte de la historia, todos tienen su pequeña historia que los hace cercanos y creíbles. 

El guion tiene un minucioso trabajo con los objetos (punzón, teléfono móvil, comida, etc.). Descubrimos que algunos objetos tienen múltiples utilidades como el punzón y algunos animales como la gallina también pueden ser utilizados con fines diversos dentro de una cárcel.

Me ha llamado la atención la cabecera, construida con planos detalle de los rostros de las actrices protagonistas (ojos y bocas). Iluminados con luz dura que nos invita a reconstruir en las imperfecciones de la piel el paso del tiempo y las marcas dejadas en el rostro por las experiencias vividas. El ritmo de montaje, todo al corte sin efectos, sigue el ritmo musical que propone el tema "You've Got Time" -Regina Spektor. Cuando funde a negro la cabecera uno tiene la sensación de que en esta serie las actrices serán las protagonistas.

Una buena serie para las largas tardes de verano. Para minorías, aquí la veremos en un rincón de algún canal temático. 

INTERTEXTUAL: EL GUERNICA Y ADIÓS A LAS ARMAS

En las últimas 24 horas me he cruzado con José Luis Alcaine unas cuantas veces. Escritos en la prensa, escritos en internet entrevistas y opiniones en todos los medios. Es un director de fotografía consagrado, medalla de oro de la Academia de Cine, lo que le permite opinar sin miedos:

"Creadores en cualquier arte y no solo en el cine hay muy pocos. Erice y Almodóvar, para mí, son los directores que tienen el mundo estético más claro. De los que yo he conocido son los que poseen un mundo visual más personal. A través del tiempo siento muchísimo lo que le ha pasado a Víctor, porque el parón de la película El sur, del que no se puede culpabilizar a él, lo ha llevado como una losa. Este oficio es muy duro.

A la búsqueda del tiempo a través de la luz

Lo que más me ha llamado la atención es la realción intertextual que propone entre el cuadro 'Guernica' de Picasso y la película 'Adiós a las armas', de Frank Borzage. Piensa que en las imágenes de la película está el origen del cuadro. Y lo justifica con un análisis detallado de los fotogramas y sus referencias en fragmentos del cuadro. Un ejercicio intelectual muy curioso que se puede leer en El Guernica, adiós a las armas, Las meninas y Alcaine. de la revista Cameraman.  

Ya en el mes de marzo despertó mi interés en una entrevista en El País cuando decía algo como esto sobre la escuela de cine:

De la Escuela recuerda que el profesor de cámara "no acertó" con él: "¡Me dijo que no estaba dotado para el cine!"

SENCILLEZ, FOTOGRAFÍA Y CINE

Interesante introducción al proceso de trabajo que realiza el director de fotografía en blog de cine: La dirección de fotografía.

Se describe, de forma didáctica:

• Los equipos profesionales
• Variedad de fuentes de luz
• Los juegos de lentes, 
• La cámara, la película y los accesorios.

Se ofrecen comentarios sobre varias películas clásicas, desde el punto de vista de la dirección de fotografía, firmados por Adrián Massanet.

Lo que más me ha gustado es el enlace a una antigua entrevista a Nestor Almendros realizada en el programa ‘A fondo’ de Joaquín Soler Serrano. En dicho programa el fallecido director de fotografía español habla de su profesión y de sus experiencias. 

Por ejemplo  reflexiona sobre la iluminación en su cien:

En términos generales yo estoy por la simplicidad, por gran la sencillez, (...) estoy por la iluminación a base de luz única, como ocurre en la realidad.  General mente la luz viene de un solo lugar, (....) la luz de ventana, que es la luz de Vermeer es una luz que viene de un solo lugar y después el rebote

Y recuerda como era trabajar en un rodaje con el director Francose Truffaut:

Truffaut es un hombre muy agradable, es uno de los directores de cine más humanos que hay en el mundo. Trabajar con él es una fiesta. Todo el mundo que ha trabajado con él procura estar libre en el momento que él filma una película. Porque el ambiente que se respira en una película de Truffaut es un ambiente casi de vacaciones.

Una entrada para recordar conceptos sobre imagen y  para conocer un poco mejor los procesos de trabajo realizados por los cámaras y los directores de fotografía.

La pista la tomé de downloading + media.

¡ASOMBRADO!

Este vídeo del programa de Takeshi Kitano "Unbelievable" TV special about Visual Artists nos muestra un sorprendente juego de sombras. El programa me recuerda al "Un, dos, tres...".

La artista se llama Kumi Yamashita.


Obras de arte para aprender un poco más del juego de las luces y las sombras que tanto nos gusta en el mundo de la imagen.

PLATÓS DE VERANO

En el proceso de creación del anuncio de bañadores Speedo Behind the Scenes and underwater we go he descubierto un plató subacuático.

Para refrescar estos días de julio os recomiendo imaginar el proceso de trabajo. Los estudios son los de la multinacional Pinewood, aquí puedes ver referencias a sus trabajos técnicos en escenarios submarinos.

LUZ PARA PINTAR

Son muchas las veces que en clase se me llena la boca con el concepto "pintar con la luz". Entonces uno se acuerda del señor Storaro y lo llena todo de frases centradas en la construcción de la luz.

Este vídeo muestra el proceso de trabajo de un fotógrafo, Atton Conrad, para elaborar un anuncio con la técnica de Light painting.

Lo he copiado de Strobist.

AMPLIACIÓN: En el blog de Ben Olivares he encontrado este vídeo: